Fétiches réunit un ensemble d’œuvres du compositeur Tomás Bordalejo, écrites entre 2013 et 2019, et constitue le point d’aboutissement d’un cycle de recherche consacré au geste musical, à la matière sonore et à leur transformation dans le temps. Le programme rassemble des pièces solistes et de musique de chambre, dont plusieurs premiers enregistrements, conçues en étroite collaboration avec les interprètes et issues de commandes institutionnelles ou de partenariats artistiques au long cours.

Au cœur de ce projet se trouve une réflexion sur le son comme expérience physique et perceptive. Le travail de Tomás Bordalejo explore les zones intermédiaires entre hauteur et bruit, continuité et rupture, stabilité et déséquilibre. Chaque pièce développe une dramaturgie propre, fondée sur la circulation des énergies, la densité des textures et l’évolution des gestes instrumentaux, dans un rapport constant à l’espace et au temps. Le geste du musicien, immédiat et singulier, devient ainsi le moteur de la forme musicale.

Interprété par un collectif d’artistes étroitement liés au parcours du compositeur, Fétiches met en lumière une approche artisanale de la création contemporaine, fondée sur l’écoute, l’expérimentation et la transmission. À la manière d’objets rituels, ces œuvres témoignent des matériaux sonores, des instruments et des interprètes qui ont marqué le cheminement de Tomás Bordalejo, tout en ouvrant de nouvelles perspectives dans son écriture.

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Cet enregistrement réunit les sept Toccatas pour clavier de Johann Sebastian Bach, composées alors que le compositeur n’avait pas encore vingt-cinq ans. Œuvres de jeunesse mais déjà d’une grande maturité, ces toccatas constituent un laboratoire formel dans lequel Bach explore librement le prélude, la fantaisie improvisée, le fugato et les structures inspirées du concerto italien. Chacune d’elles apparaît comme une recherche autonome sur le son, le geste et la forme, sans autre ordre que celui de leur publication.

Interprétées par Laurent Cabasso, ces pages témoignent de l’esprit du stylus phantasticus hérité de la tradition nord-allemande et nourri par l’influence déterminante de Buxtehude. La musique alterne récitatifs libres, épisodes virtuoses, mouvements méditatifs et fugues structurées, dans un jeu constant de contrastes entre liberté apparente et rigueur contrapuntique. À travers ces œuvres se dessine la progression du jeune Bach vers une pensée formelle unifiée, fondée sur l’idéal baroque d’une unité dans la diversité.

L’enregistrement a été réalisé sur le piano Stephen Paulello opus 102, dont la clarté des registres, la longueur du son et la lisibilité polyphonique offrent un éclairage particulier sur l’écriture de Bach. Ce choix instrumental permet de mettre en valeur la vitalité et l’inventivité de ces toccatas, tout en respectant leur exigence rhétorique et expressive.

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Con Fuoco révèle d’emblée l’univers de Stéphane de Carvalho : celui d’un guitariste habité par la couleur, le contraste et l’élan narratif. Le programme traverse plusieurs traditions de la guitare, de Turina à Ginastera, en passant par Mertz, Ponce, Roland Dyens, Napoléon Coste et deux sonates de Scarlatti transcrites par l’artiste lui-même. L’ensemble dessine un parcours cohérent, où le lyrisme, la danse, l’énergie rythmique et la virtuosité s’enchaînent avec une grande fluidité.

Formé auprès de grandes figures de la guitare telles que Pedro Ibañez, Alexandre Lagoya et Roberto Aussel, Stéphane de Carvalho a développé un jeu profondément personnel, nourri à la fois par l’exigence du répertoire classique et par une sensibilité très marquée pour les climats, les timbres et la respiration du discours. Son parcours l’a conduit à explorer un vaste territoire musical, du XIXe siècle aux compositeurs du XXe siècle, avec une affinité particulière pour les répertoires hispaniques et latino-américains.

Avec Con Fuoco, il propose bien davantage qu’un simple récital : un voyage intérieur, tendu entre élégance, intensité et liberté. De la lumière andalouse de Turina aux fulgurances de Ginastera, en passant par la poésie de Ponce et l’invention rythmique de Roland Dyens, ce disque affirme une identité artistique forte, celle d’un musicien qui fait de la guitare un véritable instrument de récit.

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Cathédrales propose un parcours pour guitare seule à travers les grandes figures de la musique sud-américaine des XXᵉ et XXIᵉ siècles, où le langage savant s’enracine dans les traditions populaires. Interprété par Stéphane de Carvalho, l’album réunit des œuvres de Heitor Villa-Lobos, Léo Brouwer, Astor Piazzolla, Gentil Montaña, Ignacio Figueredo et Agustín Barrios-Mangoré, dessinant un vaste panorama des styles, des formes et des esthétiques du continent.

Les Cinq Préludes de Villa-Lobos ouvrent le programme et illustrent la fusion entre rythmes brésiliens et héritage européen, du chôro aux réminiscences bachiennes. Les œuvres de Léo Brouwer, notamment Fandangos y Boleros, dialoguent avec des références multiples, entre folklore cubain, écriture moderne et clins d’œil à Scriabine, Pasquini ou Beethoven. Les Cuatro Estaciones Porteñas de Piazzolla, dans l’arrangement de Sérgio Assad, prolongent ce dialogue en associant l’esprit du tango nuevo à une écriture contrapuntique inspirée de Vivaldi.

Le programme s’enrichit également de pages emblématiques du répertoire latino-américain, telles que la Suite colombiana n°2 de Gentil Montaña ou Los Caujaritos d’Ignacio Figueredo, avant de s’achever avec La Catedral d’Agustín Barrios-Mangoré. Inspirée par la cathédrale de Montevideo, cette œuvre conclut l’album comme une méditation, donnant son titre à ce voyage musical où la guitare devient un lieu de passage entre danse, spiritualité et contemplation.

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Il pleut des voix de femmes rassemble plusieurs œuvres de la compositrice Sophie Lacaze, écrites entre 1996 et 2021, autour de la voix féminine, du verbe et de la relation entre musique et sens. Le programme associe des pièces vocales et mixtes, certaines issues de commandes spécifiques, d’autres remaniées pour cet enregistrement, et comprend plusieurs premières mondiales. La voix y occupe une place centrale, tour à tour chantée, parlée ou déclamée, en dialogue étroit avec le saxophone, le piano et le récitant.

Les œuvres présentées explorent la frontière entre sacré et profane, rituel et parole quotidienne. Inspirées de textes de Jean-Pierre Rosnay, de Guillaume Apollinaire ou encore d’Hildegarde de Bingen, elles interrogent la manière dont le mot devient son, puis silence, et comment la musique peut en prolonger la charge poétique, symbolique ou spirituelle. L’écriture de Sophie Lacaze, attentive au timbre et à la résonance, développe des formes où la répétition, l’incantation et la circulation du souffle structurent le discours musical.

Porté par l’ensemble Mora Vocis – voix solistes au féminin, avec la participation d’Els Janssens Vanmunster, Michel Supéra, Marie Vermeulin et Alain Carré, cet enregistrement met en lumière une approche singulière de la musique contemporaine, fondée sur la transmission, l’écoute collective et la présence du texte. Il pleut des voix de femmes témoigne ainsi d’un travail où la voix devient espace de rencontre entre poésie, théâtre et musique.

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Publié en 1719 à Paris, le Livre de musique d’Église d’Alexandre de Villeneuve (1677–1756) rassemble un ensemble rare de pages sacrées comprenant neuf Leçons de ténèbres pour le Triduum sacré, des psaumes destinés à différents usages liturgiques, ainsi qu’un Miserere. Longtemps demeurées inédites et jamais rééditées depuis leur publication, ces œuvres témoignent de la vitalité du répertoire religieux français du début du XVIIIᵉ siècle et de la place essentielle qu’occupait la musique dans les congrégations féminines, notamment à l’Abbaye royale de Chelles, à laquelle l’ouvrage est dédié.

Les Leçons de ténèbres du troisième jour s’inscrivent dans la tradition des Offices de la Semaine sainte, fondés sur les Lamentations du prophète Jérémie. L’écriture vocale, destinée à un dessus accompagné de la basse continue, conjugue déclamation syllabique proche du récitatif et ornementation héritée de l’air de cour. L’alternance des tempi, l’usage fréquent des dissonances et des accords enrichis, ainsi que la brièveté des versets confèrent à cette musique une grande intensité dramatique, tout en conservant une profonde sobriété expressive.

Cet enregistrement associe les Leçons de ténèbres à des pièces instrumentales extraites des Conversations en manière de Sonates publiées par Villeneuve en 1733, ainsi qu’à des répons issus du Processionnal pour l’Abbaye royale de Chelles de Jean-Baptiste Morin. Porté par l’Ensemble Vedado sous la direction de Ronald Martin Alonso, avec la mezzo-soprano Dagmar Šašková, ce programme restitue l’équilibre entre ferveur liturgique, raffinement musical et dramaturgie propre aux Offices de Ténèbres, dans le respect des sources et des pratiques de l’époque.

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Le Grand Ballet présente les Pièces de viole, Livre III de Marin Marais, publiées à Paris en 1711, dans un programme consacré à l’un des recueils majeurs du répertoire français pour la viole de gambe. Interprété par l’Ensemble Vedado sous la direction de Ronald Martin Alonso, ce disque met en lumière la richesse expressive, la diversité des formes de danse et l’exigence stylistique de ce troisième livre, qui marque une étape importante dans l’évolution de l’écriture de Marais.

Le Livre III associe des pièces de caractère, des danses traditionnelles et des œuvres d’une grande virtuosité, dont Le Grand Ballet, qui donne son titre à l’album. Marais y développe une écriture particulièrement précise, notamment dans le soin apporté aux indications d’archet, d’ornementation et de doigtés, offrant aux interprètes un cadre détaillé pour l’expression musicale. Ce programme fait également dialoguer la viole avec le théorbe, la guitare baroque et le clavecin, soulignant l’ancrage chorégraphique et instrumental de ce répertoire.

À travers cet enregistrement, l’Ensemble Vedado propose une lecture attentive et informée de l’esthétique de Marais, entre rigueur formelle et liberté expressive. Le Grand Ballet s’inscrit ainsi dans la continuité des projets de l’ensemble consacrés à la viole de gambe, et affirme son engagement en faveur de la transmission du répertoire baroque français.

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Dialogues réunit autour de la viole de gambe deux univers séparés par plus de trois siècles, ceux de Monsieur de Sainte-Colombe et de Philippe Hersant. À partir des pièces pour viole seule conservées dans le Manuscrit de Tournus, écrit autour de 1690, Ronald Martin Alonso propose un parcours où l’écriture baroque la plus libre entre en résonance avec des œuvres contemporaines inspirées par cet héritage.

La musique de Sainte-Colombe, marquée par l’improvisation, la liberté rythmique et une expressivité proche de la voix, constitue le socle du programme. En regard, les œuvres de Philippe Hersant prolongent cette tradition et réinvestissent la viole de gambe comme instrument soliste d’aujourd’hui, capable de porter un discours musical personnel tout en dialoguant avec le passé.

Conçu comme un échange sans rupture temporelle, Dialogues explore la continuité d’un geste musical et la capacité de la viole de gambe à traverser les siècles. Le disque met en lumière l’instrument comme lieu de rencontre entre mémoire, invention et sensibilité contemporaine, dans un dialogue sans paroles où se mêlent affects, récits et résonances.

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Folias Americanas réunit l’Ensemble Vedado autour d’un programme qui fait dialoguer la musique française du Grand Siècle et les traditions musicales des Amériques. Au cœur du disque se trouvent les Suites à trois violes de Marin Marais, issues du Quatrième Livre publié à Paris en 1717, et les Folias Americanas du compositeur cubain Calixto Álvarez, œuvre contemporaine inspirée du célèbre thème de la Folia.

Ce projet est né d’un long compagnonnage entre Ronald Martin Alonso et les violistes cubaines Calia Álvarez et Lixsania Fernández, initié à Cuba au début des années 2000 et poursuivi en Europe. La redécouverte des Suites à trois violes de Marais a servi de point d’ancrage à la construction du programme, auquel Calixto Álvarez a apporté une version enrichie et inédite de ses Folias Americanas, développées pour trois violes, clavecin et guitare baroque, avec l’ajout de percussions dans certaines variations.

À travers l’alternance des danses de la cour de Versailles et des rythmes des Amériques, Folias Americanas propose un parcours où la danse constitue le lien commun entre les répertoires. Le disque affirme ainsi l’identité de l’Ensemble Vedado, formation dédiée aux musiques baroque et contemporaine, attentive aux circulations entre l’Europe et les Amériques, et à la transmission d’un patrimoine musical sans frontières.

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Romancero s’inscrit dans la tradition du romance, forme poétique et narrative issue du monde hispanique, mêlant récits intimes et histoires collectives. Ce programme rassemble des romances et des chants où se croisent voix, poésie et guitare, dans une écriture épurée qui met en valeur la force du texte et la richesse expressive de la ligne vocale.

La mezzo-soprano Éléonore Gagey et le guitariste Guillaume Bleton explorent un répertoire principalement centré sur la musique espagnole et latino-américaine du XXe siècle. Les œuvres choisies tissent un parcours entre traditions populaires et écriture savante, faisant dialoguer la poésie, le timbre de la voix et les couleurs de la guitare dans un cadre de musique de chambre intimiste.

Conçu comme un récit musical continu, Romancero propose une traversée des thèmes récurrents du genre : l’amour, l’absence, la mémoire, la mort et la transmission. L’album met en lumière la relation étroite entre texte et musique, et s’attache à restituer la dimension narrative et expressive de ces romances, dans une interprétation sobre et directe.

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Blessed Echoes – Lute Songs from the time of Elizabeth I and James I est un programme conçu par l’ensemble Près de votre oreille autour de la tradition des lute songs anglais entre la fin du XVIe et le début du XVIIe siècle. Le projet s’inscrit dans la continuité des recherches menées lors du disque Come Sorrow et s’appuie sur un vaste travail de collecte, de sélection et de déchiffrement de plus d’une centaine de chansons élisabéthaines et jacobéennes, issues de sources imprimées et manuscrites.

Le programme réunit des œuvres de John Dowland, Robert Jones, Thomas Campion, Thomas Ford, Philip Rosseter, Michael Cavendish et Alfonso Ferrabosco II. Les chansons, initialement écrites pour voix et luth, sont ici enrichies de parties de lyra-viols spécialement composées par Robin Pharo, dans le respect des pratiques historiques attestées à l’époque. L’instrumentarium comprend voix solistes, luth renaissance, viole de gambe, lyra-viol, virginal et cistre, permettant d’explorer la diversité expressive de ce répertoire vocal et instrumental.

Le titre Blessed Echoes est emprunté à un poème de Robert Jones et renvoie à la notion de résonance et de mémoire, centrale dans ce projet. Le programme met en regard des chansons anciennes et une création contemporaine, Réversibilité, composée par Robin Pharo sur un poème de Charles Baudelaire, établissant un lien entre les pratiques musicales de la Renaissance et une écriture actuelle. L’enregistrement a été réalisé en septembre 2021 à l’église Saint-Sylvain de Saint-Sauvant, dans le cadre d’une résidence en coproduction avec l’Abbaye aux Dames et le Festival de Saintes.

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Quatuor Puccini est né de la rencontre de quatre musiciennes de l’Orchestre de l’Opéra national de Lyon. Ouvert à la transversalité, l’ensemble explore des collaborations avec d’autres arts et instruments, comme dans ce premier album réunissant la harpiste Sophie Bellanger et la comédienne Laura Ketels. La formation en quatuor à cordes leur permet d’aborder un répertoire étendu, de Haydn aux compositeurs du XXe siècle.

La collaboration avec Sophie Bellanger s’inscrit naturellement dans le prolongement du travail mené au sein de l’Opéra national de Lyon. Membre de l’Ensemble Agora, elle a enregistré plusieurs albums destinés au jeune public et développe une activité marquée par la musique contemporaine. Laura Ketels, diplômée d’art dramatique, mène une carrière de régisseuse, d’assistante à la mise en scène et d’interprète, notamment dans de grandes maisons lyriques et théâtrales.

Le programme associe le Quatuor à cordes op. 10 de Claude Debussy, composé en 1893, œuvre fondatrice par son écriture cyclique et sa recherche de timbres, au Conte fantastique d’André Caplet, écrit en 1923 pour harpe et quatuor à cordes. Inspirée de la nouvelle Le Masque de la mort rouge d’Edgar Allan Poe, cette œuvre met en valeur le contraste instrumental et le rôle du texte, confié à la récitante, dans un dialogue étroit entre musique et narration.

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Clairs de Lune réunit Hector Berlioz (1803–1869) et Gabriel Fauré (1845–1924) autour d’un programme pour voix et quatuor à cordes, associant Les Nuits d’été, Op. 7 de Berlioz dans une transcription pour ténor et quatuor à cordes réalisée par Emmanuel Haratyk, et un ensemble de mélodies de Fauré transcrites pour la même formation. L’album inclut également le Quatuor à cordes en mi mineur, Op. 121 de Fauré, composé en 1924. Le projet s’inscrit dans la continuité du travail du Quatuor Manfred sur le répertoire vocal de chambre et sur la confrontation entre écriture mélodique et texture du quatuor à cordes.

L’enregistrement fait dialoguer deux esthétiques contrastées de la musique française. Chez Berlioz, l’expressivité dramatique et la prosodie irrégulière des poèmes de Théophile Gautier trouvent une nouvelle dimension dans une écriture intermédiaire entre le piano et l’orchestre. Chez Fauré, l’intimité harmonique et la sobriété du discours s’expriment à travers ses mélodies – notamment La chanson du pêcheur, Les berceaux, Les roses d’Ispahan, Clair de lune, La rose et Après un rêve – mises en regard du quatuor à cordes, œuvre tardive et centrale de son catalogue de musique de chambre.

Le ténor Jean-Paul Fouchécourt est accompagné par le Quatuor Manfred, composé de Marie Béreau et Luigi Vecchioni, violons, Emmanuel Haratyk, alto, et Christian Wolff, violoncelle. L’album met en valeur la relation étroite entre texte poétique et écriture musicale, en s’appuyant sur des poèmes de Théophile Gautier, Sully Prudhomme, Leconte de Lisle, Paul Verlaine et Romain Bussine, et propose une lecture cohérente du répertoire pour voix et quatuor à cordes dans la musique française des XIXe et début du XXe siècles.

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Ce disque réunit l’intégralité des œuvres originales de Sergueï Prokofiev pour violon et piano, interprétées par le violoniste Kristi Gjezi et le pianiste Louis Lancien. Conçu comme un projet monographique, l’album explore une période centrale de la production de Sergueï Prokofiev, marquée par un retour aux formes classiques, une écriture rythmique incisive et une forte tension expressive.

Les deux grandes Sonates pour violon et piano, Op. 80 et Op. 94bis, occupent une place centrale dans ce programme. Composées durant la période soviétique du compositeur, elles témoignent de deux visages contrastés de son langage : l’une sombre, tendue et presque âpre, l’autre plus lumineuse, lyrique et directement héritée de la version originale pour flûte. Les Cinq Mélodies Op. 35bis complètent cet ensemble, offrant un contrepoint plus intime et mélodique, issu du folklore et du chant sans paroles.

L’interprétation de Kristi Gjezi et Louis Lancien s’inscrit dans une approche sobre et structurée, attentive à l’équilibre entre les voix et à la clarté formelle. Nourrie par leur expérience de la musique de chambre comme de l’orchestre, cette lecture met en valeur la richesse rythmique, la densité harmonique et le sens mélodique qui font de Prokofiev l’un des grands compositeurs du XXe siècle.

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Obsessions réunit un programme pour violon seul construit autour de figures fondatrices et de filiations assumées, de Johann Sebastian Bach à Eugène Ysaÿe, en passant par Franz Schubert, Heinrich Wilhelm Ernst, George Enescu et la création contemporaine. Ce parcours met en regard la transcription, la virtuosité et l’héritage, dans un dialogue constant entre écriture polyphonique, geste instrumental et mémoire musicale.

Le disque s’ouvre sur la Fantaisie et Fugue en sol mineur BWV 542 de Bach dans la transcription de Tedi Papavrami, avant de déployer plusieurs sonates d’Ysaÿe, dont la Deuxième, la Troisième et la Sixième Sonate pour violon seul, œuvres emblématiques du XXe siècle qui interrogent explicitement la notion d’obsession, de citation et de dépassement stylistique. Le programme se prolonge avec Impressions d’enfance de George Enescu et le Grand Caprice sur Le Roi des Aulnes de Schubert arrangé par Ernst, sommet de la littérature virtuose.

La présence de Juan Arroyo avec Dormiveglia et Paralelo inscrit ce projet dans une continuité vivante, où la création contemporaine dialogue avec Bach et la tradition. Obs­essions se présente ainsi comme un itinéraire intérieur pour violon seul, traversé par la polyphonie, la mémoire et la transformation des formes, porté par une approche exigeante du son, de la structure et du discours musical.

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Après huit années de scène commune, le SpiriTango Quartet propose avec Transgressions un projet qui s’inscrit à la croisée du tango, de la musique contemporaine et de la musique de chambre. L’ensemble y affirme une identité singulière, fondée sur des arrangements originaux et une écriture instrumentale qui dépasse les cadres traditionnels du tango, tout en conservant son énergie rythmique et expressive.

Le programme met en regard des œuvres emblématiques du répertoire, telles que Camorra III et Romance del Diablo d’Astor Piazzolla, avec des créations et des pièces de compositeurs contemporains français, dont Matthieu Stefanelli (Cabeceo), Alexandre Fontaines (Para Descansar) et Graciane Finzi (Impression Tango). Le choix assumé de l’accordéon en lieu et place du bandonéon confère à l’ensemble une palette sonore spécifique, centrale dans l’esthétique du projet.

Point d’orgue de l’album, l’Opale Concerto de Richard Galliano est présenté dans une version inédite pour formation de chambre. Le programme s’ouvre également vers l’Amérique latine avec les œuvres de Luis Caruana, ainsi que les pièces brésiliennes Odeon et Tico-Tico, entièrement arrangées par le SpiriTango Quartet. La participation de la percussionniste Vassilena Serafimova renforce la dimension rythmique et élargit encore le spectre sonore de cet enregistrement live.

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Volts propose un état des lieux de la musique contemporaine pour quatuor à cordes et électronique, en explorant les multiples formes que peut prendre la musique mixte aujourd’hui. De la bande préenregistrée à l’électronique en temps réel et à l’improvisation, cet album met en regard différentes esthétiques et technologies, inscrites dans une continuité historique mais résolument tournées vers la création actuelle.

Le programme réunit des œuvres de Fausto Romitelli, Gilbert Nouno, Juan Arroyo, Remmy Canedo et Christophe Havel, offrant un panorama contrasté des relations entre instruments acoustiques et dispositifs électroniques. Les Tana Instruments, instruments hybrides de nouvelle génération, permettent ici une diffusion de l’électronique directement à travers la caisse de résonance des instruments, modifiant en profondeur la perception du son et l’espace d’écoute.

Porté par le Quatuor Tana, Volts s’inscrit dans la tradition du quatuor à cordes moderne tout en en élargissant les frontières. L’album affirme une démarche sans concession, plurielle et engagée, où la recherche sonore et l’exigence musicale dialoguent pour dessiner les contours d’un répertoire déjà inscrit dans l’histoire de la création contemporaine.

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Cet enregistrement réunit deux œuvres majeures de Dmitri Chostakovitch – les Trios avec piano op. 8 et op. 67 – mises en regard avec deux partitions de Sergueï Prokofiev, la Ballade pour violoncelle et piano op. 15 et les Cinq Mélodies op. 35 dans leur version pour violon. Composés entre jeunesse et maturité, amour et guerre, ces ouvrages illustrent deux trajectoires contrastées de la musique russe du XXᵉ siècle, entre lyrisme tendu, ironie sombre et dramaturgie extrême. Le Deuxième Trio de Chostakovitch, dédié à Ivan Sollertinsky, s’impose comme une œuvre charnière, aux accents de requiem et à la charge émotionnelle intense.

Le Trio Khaldei aborde ce répertoire avec une attention particulière portée aux contrastes de timbre, à la densité rythmique et à la clarté du discours formel. Le dialogue entre piano, violon et violoncelle met en relief les tensions internes de ces œuvres, depuis l’écriture romantique du premier trio jusqu’aux textures plus âpres et fragmentées du second. Les pages de Prokofiev prolongent cette exploration par une écriture narrative et nocturne, où le piano structure l’espace sonore tandis que les cordes développent une ligne expressive continue.

Cet album s’inscrit dans la démarche artistique du Trio Khaldei, qui explore les liens entre musique, histoire et mémoire, en particulier dans le répertoire russe de la première moitié du XXᵉ siècle. En confrontant œuvres de jeunesse et partitions de maturité, ce programme propose une lecture cohérente et engagée de ces pages emblématiques, soulignant leur force expressive et leur portée humaine, au-delà de toute approche strictement stylistique.

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